Production, distribution,
& administration
for performing arts

JONATHAN CAPDEVIELLE / Poppydog

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SAGA

CREATION 2015

 

Conception & direction Jonathan Capdevielle
Text Jonathan Capdevielle with the help of Sylvie Capdevielle & Jonathan Drillet
Performers Jonathan Capdevielle, Marika Dreistadt, Jonathan Drillet & Franck Saurel

Artistic adviser - Artistic assistant Jonathan Drillet
Scenography (set design and concept) Nadia Lauro
Assistant for scenography Romain Guillet
Light Patrick Riou
Stage manager, technical manager, sound effects live Jérôme Masson
Sound manager Vanessa Court
Fabrication of animal costume Daniel Cendron
Fabrication of traditional costume Cécilia Delestre
Video Sophie Laly, Jonathan Capdevielle
Kid Kyliann Capdevielle
Outside eye Gisèle Vienne and Virginie Hammel
Production Bureau Cassiopée – Léonor Baudouin and Manon Crochemore
Production, distribution, administration Fabrik Cassiopée - Isabelle Morel and Manon Crochemore
Thanks to Anne-Cécile Sibué-Birkeland, Alexandra Murillo, Laetitia Laplace, Maxime Laplace, Cynthia Laplace, Mercedes Tormo, Stéphanie Michaud, Didier Capdevielle, Alexandre Reyes, Florian Hémadou, Guillaume Hémadou, Eliane Roudaut and the team of Le Quartz, scène nationale de Brest.

Executive producer Association Poppydog
Bureau Cassiopee was the executive producer of Saga from febuary 2015 to march 2016.
Coproduction Le Parvis scène nationale Tarbes Pyrénées (FR) / Pôle sud, CDC en préfiguration-Strasbourg (FR) / Les Salins, scène nationale de Martigues (FR) / Scène nationale d’Orléans (FR) / CCN Montpellier Languedoc-Roussillon in the frame of ]domaines[ and Life Long Burning (LLB) project supported by the Culture Programme of the European Union (FR) / L’Arsenic-Lausanne (CH) / Les Spectacles Vivants - Centre Pompidou-Paris (FR) / Maison de la Culture d’Amiens-centre de création et de production (FR) / Latitudes contemporaines-Lille (FR) / BIT Teatergarasjen- Bergen (NO) / Théâtre Ouvert-Paris with the support of Région Ile-de-France (FR) / La Ménagerie de Verre-Paris (FR) / Théâtre Garonne, scène européenne Toulouse (FR) / Arcadi (FR) / Bureau Cassiopée (FR)
With the help of Quartz, scène nationale de Brest (FR) and Centre National de la Danse-Pantin (FR)
With the support of DRAC Ile-de-France
Jonathan Capdevielle is supported by APAP, Advanced Performing Arts Project, funded by the European Commission.

 

Families are a nearly endless source of inspiration for artistic creation. The history of my family was marked by misfortune, sometimes on a scale befitting a Greek tragedy.
Saga recounts this family romance. I would like to write a play that recounts episodes of my family saga, with the emblematic characters and plot twists of an epic tale as well as the chronicles of Pyrenees region and its legendary icons. In the watershed moment between childhood and adolescence, my family was a theater: day after day a performance unfolded whose scenes, both funny and dramatic, haunt me to this day. We lived in a playground, with great freedom and joyful insouciance; across it tumbled brigands, Bonny and Clyde, beach weekends, horror movie reenactments, Swan Lake rehearsals, spiritualist séances, and my first steps in the theater, against the backdrop of the High Pyrenees.
I would like to work from memories of this era, revisiting places and conjuring characters and situations that composed the episodes of this intense and colorful past life.
The story telling is embodied by different performers, staged with theater forms as well as cinema and dance. The movement created between these past events -whether they're fiction or real- and the narrative told in the present tense, is revealing an intimate as well as universal impact, and will express the uniquely euphoric, playful, melancholic, and dark nature of these theatrical life scenes.

Jonathan Capdevielle

 

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À NOUS DEUX MAINTENANT

PREMIERE ON NOVEMBER 6, 2017 AT LE QUAI - CDN ANGERS PAYS DE LA LOIRE

 

Based on the novel by Georges Bernanos

Conception, adaptation and direction Jonathan Capdevielle
Performing Clémentine Baert, Jonathan Capdevielle, Dimitri Dore, Jonathan Drillet, Arthur B. Gillette (alternating with Jennifer Eliz Hutt), Michèle Gurtner
Artistic adviser - Artistic assistant Jonathan Drillet
Scenography (set design & concept) Nadia Lauro
Scenography (construction) Les ateliers de Nanterre-Amandiers – Marie Maresca, Michel Arnould, Gabriel Baca, Théodore Bailly, Mickaël Leblond
Lights Patrick Riou assisted by David Goualou
Soundtrack composition Vanessa Court, Arthur B. Gillette, Jennifer Eliz Hutt, Manuel Poletti
Music Arthur Bartlett Gillette
Sound manager Vanessa Court
Musical collaboration via digital interface Ircam Manuel Poletti
Costumes Colombe Lauriot Prévost
Stage manager, technical manager Jérôme Masson
Outside eye Virginie Hammel
Production, distribution, administration Fabrik Cassiopée – Manon Crochemore, Manon Joly et Isabelle Morel
Gratitude to Safia Benhaim, Marie Etchegoyen, Lundja Gillette, Laurence Viallet

Executive producer Association Poppydog
Coproduction Le Quai Centre Dramatique National Angers Pays de la Loire / Nanterre – Amandiers, CDN (FR) / Festival d’Automne à Paris (FR) / CDN Orléans (FR) / manège, scène nationale-reims (FR) / Théâtre Garonne, scène européenne Toulouse (FR) / Arsenic - Centre d'art scénique contemporain, Lausanne (CH) / Le Parvis scène nationale Tarbes Pyrénées (FR) / Ircam – Paris (FR)
With the support of King’s Fountain
With the help of CND – Pantin, la Villette – Résidence d’artistes 2016,  Le Quartz - scène nationale de Brest, and of Montévidéo - Créations Contemporaines - Atelier de Fabrique Artistique.

 

Photo credit Pierre Grosbois

 

 

In 2008, I acted in a radio play directed by Jean Couturier that aired on France Culture. It was an adaptation of Georges Bernanos’s detective novel, Un Crime, in which I played the role of the Vicar of Mégère. At the time, I had been struck by this singular work, which explored questions of identity and the human condition through dark humour and emotion.

I was born in the Pyrenees, near Lourdes, where I spent my childhood and adolescence in a provincial village. From a very young age, I rubbed shoulders with these emblematic countryside characters, with their outspokenness and traditions. As a child, I still remember being fascinated by the impenetrable figure of the local priest, whom I would watch during weddings and funerals, or when many of them would march down the streets of Lourdes during the pilgrimages in August. These atmospheres and images are still alive in me. This tender and difficult relationship to the inland region resonates in my work, which has its roots in auto-fiction. 

Georges Bernanos meticulously dissects the unique character of these remote territories and the personalities of their inhabitants. The character at the heart of the plot is atypical, to say the least. Hiding underneath her religious garb is a woman on a fatal mission, behaving in complete opposition to the principles and values normally extolled by Catholicism. The author uses the narrator’s voice – as well as all the voices of the different characters gravitating around the vicar – as his mouthpiece. At the risk of losing them, Bernanos allows his readers to freely carry out the investigation freely – as complex and impossible as this might be.

The Vicar of Mégère – embodied by this woman – wields a strange power of seduction and persuasion, provoking a certain chaos within a seemingly solid organisation. Each of the protagonists’ personal stories and flaws are revealed, and their feelings exacerbated. I’m thinking, for instance, of the young orphan who takes to the ambiguous figure of the transvestite adult, maintaining a tender and cruel relationship with him, as well as a near-maternal trust that pushes him to act dangerously.  

By manipulating religious symbolism and icons, Georges Bernanos invents an original police investigation, mixing oddity, fantasy, and terror, while nevertheless preserving a complex framework in which human emotions remain firmly anchored in reality. 

I wish to stage this young transvestite woman’s role playing, with her troubled and endearing personality – a tragic heroine who pulls the strings of an empirical storyline, while arousing emotional confusion in the people around her. I want actors to navigate this “Bernanosian” maze by working on the multiplicity of roles being played and the different qualities of textual interpretation, oscillating between realism and exaltation. I like characters to be occasionally rocked by intense emotional shocks, and the border between reality, dreams, and nightmares to become paper-thin. I will also work on the way performers move on stage. Georges Bernanos very clearly describes every character’s physical energy in the novel. 

Even though this novel flirts with fantasy and was written in 1935, it examines themes and timeless taboos that still spark deep questions within the performing arts today.

In my opinion, Un crime carries both a private and universal discourse within it that questions religion in an unique manner. Its implicit ambivalence and homosexuality create confusion – and the clothes in this case definitely do not make the man. The author invites us to take increasingly unsettling trains of thought that are far from the beaten paths of Christian morality. By questioning the operation of the different powers at play, the novel underlines the tenacious prejudices of a contemporary society, straining to achieve a certain normality. 

It seems important to me to recreate the indoor and outdoor spaces where the action takes place. They act directly upon the intensity of the scenes insofar as they condition the characters’ behaviour, as well as their physical and mental states. The bedroom is often a space of intimacy, confession, reflection, dreams, nightmares, disease, and death.

Exterior spaces, like the countryside, represent a sort of wild escapade where the climate oscillates between bad weather, storms and sunny spells, accentuating the sombre and romantic colours of the different situations and tragedies that are being performed. Unlike a claustrophobic chamber drama, nature has the capacity to stimulate introspection. In order to reveal exterior scenes, I want to create movement between those played on-stage and their continuation off-stage.

The scenography designed by visual artist Nadia Lauro will essentially represent interior spaces. Moreover, extensive work on the sound and lighting will be implemented so that the audience can visualize the inside, or imagine the outside, via a zoom-effect, and be the privileged eye-witnesses of the characters’ private lives.

Jonathan Capdevielle

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RÉMI

CRÉATION LE 5 NOVEMBRE 2019 AU QUAI CDN ANGERS PAYS DE LA LOIRE

 

D'après le roman Sans famille d’Hector Malot
Un projet en 2 épisodes :
Partie 1 > Spectacle (environ 1h15)
Partie 2 > Fiction audio (55 minutes)
La fiction audio, accompagnée d’un poster illustré, sera distribuée à chaque spectateur à l’issue de la représentation. Le deuxième épisode pourra donc s’écouter de différentes manières : à la maison, à l’école, ou dans des salles d’écoutes mises en place par les théâtres. 

 

EPISODE 1
Conception et mise en scène Jonathan Capdevielle
Adaptation Jonathan Capdevielle, en collaboration avec Jonathan Drillet
Interprétation Dimitri Doré, Jonathan Drillet, Michèle Gurtner, Babacar M’Baye Fall
Assistante à la mise en scène Colyne Morange
Conception et réalisation des masques Etienne Bideau Rey
Costumes Colombe Lauriot Prévost
Assistante Costumes Lucie Charrier
Coiffe Vitalis Mélanie Gerbeaux
Lumières Yves Godin
Composition musicale Arthur Bartlett Gillette
Création son Vanessa Court
Régie générale Jérôme Masson
Production, diffusion, administration Fabrik Cassiopée – Manon Crochemore, Manon Joly et Isabelle Morel

Production déléguée Association Poppydog
Coproduction Le Quai, Centre Dramatique National – Angers Pays de la Loire / Nanterre-Amandiers, centre dramatique national (FR) / Festival d’Automne à Paris (FR) / La Ménagerie de Verre - Paris (FR) / Théâtre Garonne, scène européenne Toulouse (FR) / Théâtre Saint Gervais – Genève (CH) / CDN Orléans / Centre-Val de Loire (FR) / L’Arsenic – Lausanne (CH) / Tandem – Scène nationale de Douai (FR) / TNG – Centre dramatique national de Lyon (FR) / Le Parvis, scène nationale de Tarbes (FR) / La Rose des vents, scène nationale Lille Métropole Villeneuve d’Asq (FR) / Le Maillon – Théâtre de Strasbourg – Scène européenne (FR)
Avec l’aide de la Région Ile-de-France, au titre de l’aide à la création
Avec le soutien du CN D, centre national de la Danse – Pantin (FR)

 

EPISODE 2
Direction artistique Jonathan Capdevielle
Adaptation Alexandre Lenot
En collaboration avec Laure Egoroff et Jonathan Capdevielle
Musique originale Arthur Bartlett Gillette
Réalisation sonore Laure Egoroff
Chef opérateur du son & Montage son Mathieu Farnarier
Mixage Djai
Bruitage Elodie Fiat
Mastering Pierre Luzy – Music Unit
Interprétation Jonathan Capdevielle, Dimitri Doré, Jonathan Drillet, Arthur B. Gillette, Michèle Gurtner, Anne Steffens
Illustrateur du poster Etienne Bideau Rey
Direction de production Fabrik Cassiopée – Manon Crochemore, Manon Joly et Isabelle Morel
En collaboration avec Air Rytmo – Maé Zamora
Studios d’enregistrement Music Unit (Montreuil), Creative Sound (Paris) et La Puce à l’oreille (Montreuil)

Coproduction Air Rytmo & Association Poppydog
Avec le soutien de la SPPF et du FCM 

 

Dans mes créations, l’enfant tient une place importante. Adishatz/AdieuSaga et A nous deux maintenant font toutes, directement ou indirectement, référence à l’enfance. Les souvenirs d’enfance sont souvent moteurs dans mon processus d’écriture de dialogues ou de récits. Notamment dans Saga, pièce construite à partir de matériaux issus de la mémoire et qui met en scène les souvenirs personnels.

Cette figure de l’enfant aux multiples statuts - d’observateur, de témoin, d’acteur ou de fil conducteur de la fiction - révèle sous différentes formes la complexité du monde des adultes. En effet, mes pièces abordent des réflexions sur des sujets communs, comme par exemple l’identité, la sexualité, le rapport à la famille, aux racines et de manière générale ce qui constitue l’individu, d’où il vient et ce qu’il devient. L’enfant observe le monde des adultes et le considère comme une première référence, un exemple à suivre. 

Ce sont ces notions d’apprentissage et de construction de soi qui me motivent à engager un travail destiné cette fois-ci au jeune public. Je désire mettre l’enfant au cœur d’une proposition dans laquelle je travaillerai à créer de l’empathie pour un jeune héros qui fait face aux épreuves parfois rudes que lui impose la vie, et qui sort grandi de ses expériences, qu’elles soient positives ou négatives. Ce personnage, secoué par de multiples émotions, est confronté à des situations parfois extrêmes, mais jamais il ne baisse les bras ; au contraire, il fait de son malheur une force et malgré son jeune âge apprend vite à se débrouiller et à s’en sortir. 

En 1990, j’ai découvert à la télévision l’adaptation manga Rémi sans famille dont j’ignorais l’auteur et qui me fascinait. Suivre chaque soir de la semaine les aventures de ce jeune garçon m’excitait au plus haut point. J’ai donc acheté le roman d’Hector Malot.

L’œuvre aborde le thème de l’enfance et de la quête d’identité à travers une initiation qui se traduit par un voyage aux multiples rencontres. Un voyage qui révèle l’attachement à l’acte artistique, présenté comme un gagne-pain, un moyen de survie à la fatalité qui pèse sur le personnage de Rémi. Au début du roman, cet enfant héros repoussé par son père adoptif est confié, moyennant de l’argent, à un bonimenteur et sa troupe (des chiens et un singe), qui vont l’éduquer et l’initier à l’art du spectacle. Il parcourt ainsi la France de ville en ville avec cette singulière deuxième famille, dans l’espoir de se construire un autre avenir. L’enfant est ici, à l’inverse de Pinocchio, dans un rapport presque direct, réel, et authentique au monde, aux épreuves que lui inflige cette nouvelle vie de saltimbanque. La vie qui est ici clairement un terrain d’apprentissage et de réflexion pour le jeune enfant et dont l’objectif, est de continuer d’avancer bon gré mal gré en travaillant à devenir, non sans difficulté, indépendant. 

Le roman, écrit à la première personne, endosse le statut d’un récit en apparence autobiographique, puisqu’on découvre que son auteur n’est nul autre que Rémi. Un Rémi devenu adulte qui nous fait part de cette histoire de vie singulière, celle d’un enfant adopté, vagabond, en quête de vérités.

Je souhaite créer deux épisodes, adaptés du roman, qui mettront en scène les différentes étapes de ce voyage initiatique. La matière du roman est conséquente, et je veux garder une certaine cohérence quant à l’histoire du personnage de Rémi et à sa manière d’évoluer, de se transformer. Cela nécessite de l’adapter en privilégiant les parties de dialogues mais aussi la narration, qui aide à développer dans le détail les descriptions ou les états d’âme des personnages du récit. La présence vocale ou physique d’un narrateur, comme par exemple le personnage de Rémi adulte, n’est pas exclue.

Je fais le choix de travailler l’espace théâtral dans son état brut. En l’absence de scénographie, ce sont les interprètes qui fabriqueront l’espace de la fiction, tandis qu’un système son immersif permettra de travailler des scènes hors-champ. 

À la manière de mes précédentes pièces, les interprètes seront en capacité d’endosser plusieurs rôles et identités. Pour créer une multitude de personnages avec un petit nombre d’acteurs, je souhaite travailler sur les techniques du masque et ainsi m’appuyer sur leur force esthétique.

Le masque nécessite en effet un jeu précis. Il permet à l’interprète de travailler dans le détail, et de donner corps et voix à des personnages fantastiques. C’est cette métamorphose, cette incarnation totale, presque issue du rite et de la possession qui m’intéresse ici. Le personnage masqué peut évoquer le divin, comme le sacrifice, il impressionne, amuse, inquiète et amène de l’étrange, de l’irréel dans la représentation. 

Cette idée du rituel sera également incarnée par le personnage de Vitalis, le bonimenteur chef de troupe. Dans le roman, cet homme au passé énigmatique est un nomade qui a une connaissance précise du voyage et des territoires. Lorsqu’il est en représentation, il maîtrise l’art de la parole et de la musique comme personne, il en impose lorsqu’il harangue la foule. Il est aussi une sorte de père, de guide spirituel pour Rémi. Il lui enseigne les bases élémentaires de l’éducation, il est une des réponses aux questionnements de l’enfant sur son rapport au monde et sur son fonctionnement.

Jonathan Capdevielle (Septembre 2018)

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LES BONIMENTEURS

CRÉATION LE 20 JUIN 2019 AU CN D, CENTRE NATIONAL DE LA DANSE

 

À partir du film Suspiria de Dario Argento
Créé en collaboration et interprété par Jonathan Capdevielle, Arthur B. Gillette, Jennifer Eliz Hutt
Dialogues, chantn bruitage Jonathan Capdevielle
Dialogues, chant, luth marocain, percussions, banjo, bruitage Arthur B. Gillette
Dialogues, chant, voix, violon, bruitage Jennifer Eliz Hutt
Lumières David Goualou
Son / Vidéo Yann Philippe
Production, diffusion, administration Fabrik Cassiopée - Manon Crochemore et Isabelle Morel
Remerciements Rowen Berrou, La Pérouse

Production déléguée Association Poppydog
Coproduction CN D - Centre National de la danse (FR), Théâtre St-Gervais - Genève (CH)
Avec le soutien du T2G - Théâtre de Gennevilliers, Centre dramatique national et de Nanterre-Amandiers, Centre dramatique national (FR)

Aux premiers temps du cinéma, lorsque l’image était encore muette, le bonimenteur était la personne chargée de narrer le film en direct - souvent accompagnée en musique, il avait un rôle de raconteur d’images qui laissait place le plus souvent à l’improvisation. Il adaptait notamment pour le public de sa région, des films produits dans un pays étranger. Son travail consistait à donner aux œuvres cinématographiques une couleur locale, à les nationaliser dans le but de séduire son public tout en imposant sa vision personnelle du film. Il était bien plus qu’un narrateur. 

Pour cette création, Jonathan Capdevielle retrouve le musicien Arthur B. Gillette (qui avait notamment créé les musiques de scène de A nous deux maintenant et Rémi) ainsi que la musicienne Jennifer Eliz Hutt (interprète également sur la pièce A nous deux maintenant).

Les trois performers coupent le son de l’un des films-cultes du cinéma italien, Suspiria de Dario Argento pour en réinventer, en live, les dialogues, les bruitages et la bande originale.

A base d'improvisations, de spirales instrumentales et vocales, le discours-doublage constitué de dialogues et de chansons, balaye une certaine histoire de la danse et incorpore en mashup au gré des performances des extraits d’oeuvres littéraires comme, en autres, « Confessions d’un mangeur d’opium » de Thomas de Quincey (dont le Suspria d'Argento en est l'adaptation). L’érotisme, la sauvagerie et la cruauté de ce conte filmé en Technicolor à l’esthétique d’un Disney trash, propose une mise en scène de l’institution et du pouvoir dont les femmes sont maîtres.

Le spectateur navigue entre l’image projetée et le plateau au rythme de la bande video du film, il observe sur la durée l’énergie physique et vocale déployée par les trois interprètes pour révéler par leur présence et leur jeu de scène un autre endroit de représentation. La rigidité des corps à l’écran contraste avec l’énergie explosive ou la retenue de ceux de qui sont leurs doubles incarnés au plateau. 

Capdevielle, Gillette et Hutt, en performers à vu, laissent libre court à leur imagination, convoquant tour à tour Madonna ou Joy Division en VF, réalisant les bruitages Do-it-Yourself, et entrant parfois dans une transe incontrôlée, co(s)mique, glaçante et plastique, emportés par le tourbillon de ce conte moderne tourné en 1977.

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ADISHATZ/ADIEU

CRÉATION 2010

 

Conception et interprétation Jonathan Capdevielle
Lumière Patrick Riou
régie générale et régie lumière David Goualou
régie son Johann Loiseau
collaboration artistique Gisèle Vienne
regard extérieur Mark Tompkins
assistance audio Peter Rehberg
assistant artistique pour les tournées Jonathan Drillet
diffusion, administration Fabrik Cassiopée – Manon Crochemore, Manon Joly et Isabelle Morel
Avec la participation d’ECUME, ensemble choral universitaire de Montpellier – direction musicale Sylvie Golgevit – avec (en alternance) Pierre-Yves Bruzzone, Renaud Lebrun, Paco Lefort, Jean-Luc Martineau, Olivier Strauss, Benoit Vuillon.
Remerciements à Aurélien Richard, Mathieu Grenier, Tibo Javoy et Ya Basta, pour l'enregistrement et mixage des chœurs sur "pitaladyfacegalaxymix", Jean-Louis Badet, et à Barbara Watson et Henry Pillsbury.
Avec l’aide de DACM et l’équipe technique du Quartz, Scène Nationale de Brest

 

Production déléguée Association Poppydog
La pièce Adishatz/Adieu a été portée en production déléguée par le Bureau Cassiopée jusqu'à janvier 2016 : Production  Anne-Cécile Sibué-Birkeland. Diffusion / administration Léonor Baudouin et Manon Crochemore
coproduction Centre Chorégraphique National de Montpellier Languedoc Roussillon dans le cadre de ]domaines[ (FR), Centre Chorégraphique National de Franche-Comté à Belfort dans le cadre de l’accueil-studio (FR) et BIT Teatergarasjen, Bergen (NO).
Avec le soutien du Centre National de la Danse pour la mise à disposition de studios.

 

Convoquant le registre de l’autofiction, sorte de documentaire sous forme de confession, Adishatz/Adieu met en évidence l’itinéraire d’un personnage entre vie réelle et vie fantasmée ou rêvée. La pièce est écrite à partir de chansons, de conversations, qui évoquent comme des carnets intimes, les racines ou la famille.

 

Les chansons sont un des modes d’expression de ce garçon, elles interviennent d’abord comme une structure musicale et rythmique puis au fil du temps révèlent ses obsessions, ses émotions et une certaine nostalgie qui gagne peu à peu le public. Chantées a capella, elles font naître d’emblée une certaine vulnérabilité du personnage, son authenticité. L’absence de musique fait entendre plus clairement les paroles, qui résonnent comme un langage à part entière. Certaines chansons sont traduites de l’anglais au français et font l’objet de traitements divers : détournements, répétitions ou décalages, accompagnement musical chanté ou registres qui s’entremêlent (de Madonna à Cabrel).

Adishatz/Adieu est construit à partir de la technique de l’imitation souvent utilisée pour divertir. Ici elle est détournée avec une force autrement plus trouble. Il est important de multiplier les contrastes, de composer avec différents modes d’expression de la voix, pour signifier des identités diverses, brouiller les pistes, en jouant avec l’humour et la gravité, entre autres, comme force de distanciation.

Il est intéressant de rendre visible le chemin parcouru dans cette tentative de s’approprier « un autre » ainsi que les outils mis en œuvre pour atteindre une certaine justesse ou même échouer. Et cela vaut aussi bien pour les personnes “connues” que pour celles de l’entourage proche, famille et amis. Il s’agit aussi physiquement d’emprunter les postures des clips vidéos et de s’approprier les codes de la pop tout cela dans un souci de véracité. Le corps en mouvement se dissocie parfois de la parole et laisse entendre les voix d’autres personnages issus du souvenir.

A un moment donné un choeur d’hommes apparait. En choisissant d’interpréter avec eux des chants traditionnels, le personnage met l’accent sur des stéréotypes populaires du Sud-Ouest, tout en évoquant les racines et la tradition. La culture pop, Tarbaise (de Tarbes), ainsi que celle de la boîte de nuit font partie de ses obsessions, de son histoire aussi. C’est ce curieux mélange, entre culture locale et culture internationale qu’il explore tout au long de la pièce. Le personnage est traversé par de multiples attitudes, qui évoquent notamment la fragilité, l’adolescence ou la virilité. Figure ambivalente, il vacille entre grâce et grossièreté. Le recours au travestissement permet d’accentuer l’idée d’une certaine solitude, tout en évoquant quelque chose de délicat et sensible. Le travestissement est commun à l’homme et la femme et peut-être utilisé pour les deux sexes. Une étrangeté, un trouble qui permettent tous les retournements ou détournements. La solitude est perceptible : elle est triste et mélancolique mais jamais tragique.

Avec cette pièce, j’ai travaillé sur la nostalgie des choses, pour convoquer cette mémoire fondatrice de l’identité : l’enfance ou l’adolescence, la nostalgie de ces tubes d’hier qui ont marqué mon vécu et qui résonnent encore aujourd’hui…

Jonathan Capdevielle