Production, distribution,
& administration
for performing arts

JONATHAN CAPDEVIELLE / Poppydog

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CRÉATION 2009

conception and performing Jonathan Capdevielle
light Patrick Riou
stage & light manager David Goualou
sound manager Johann Loiseau
artistic collaboration Gisèle Vienne
artistic consultant Mark Tompkins
audio assistance Peter Rehberg
touring artistic assistant Jonathan Drillet
administration and touring Fabrik Cassiopée – Manon Crochemore, Manon Joly et Isabelle Morel

with the participation of ECUME university choral group of Montpellier – Musical direction : Sylvie Golgevit – with Paco Lefort, Jean-Luc Martineau, Pierre-Yves Bruzzone, Olivier Strauss, Benoit Vuillon.
thanks to Aurélien Richard, Mathieu Grenier, Jean-Louis Badet, Barbara Watson and Henry Pillsbury.
with the help of DACM and the technical staff of Quartz, Scène Nationale de Brest

executive producer Association Poppydog
Bureau Cassiopée was the executive producer of Adishatz/Adieu until January 2016 - production : Anne-Cécile Sibué Birkeland / touring & administration : Léonor Baudouin & Manon Crochemore
coproduction Centre Chorégraphique National de Montpellier Languedoc Roussillon dans le cadre de ]domaines[ (FR),  Centre Chorégraphique National de Franche-Comté à Belfort dans le cadre de l’accueil-studio (FR) and BIT Teatergarasjen, Bergen (NO).
with the support of Centre national de la Danse (FR) for the studio during rehearsals

 

Adishatz/Adieu is a self-portrait shaped by a blend of sung material and imitation. Drawing on the self-fiction style, a sort of confessional documentary that highlights a character’s wanderings between real life and fantasy/dream life, this show is based on songs and conversations that, much like private notes, evoke roots and family.    

"Adishatz/Adieu hinges on the technique of imitation that is often used to entertain. I warp this technique to the point of muddle, much like a blank tape upon which I record bits of the world that surrounds and constitutes me.  
The ambivalent character I’m interpreting wavers between gracefulness and gruffness. The use of transvestism allows me to delve into the notion of solitude, while conveying delicacy and sensitivity. Transvestism is common to both men and women, and can be used for both genders. It emits a sense of strangeness, of uneasiness, that enables many different kinds of reversal and alteration.
Solitude is perceptible: sad and melancholic but never tragic. I wish to work on the nostalgia of things, in order to summon pivotal memories of identity from childhood or adolescence; the nostalgia for yesterday’s hits that marked my background and continue to resound today… I want to rekindle memories, and to stimulate the audience’s memory.
The show thereby takes on a cathartic dimension, as the character’s identity is gradually revealed, but will probably never be clear: ambivalent, complex, funny or sad, man or woman, powerful or fragile, somewhere between real life and fantasy."
JC

 

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Conception & direction Jonathan Capdevielle
Text Jonathan Capdevielle with the help of Sylvie Capdevielle & Jonathan Drillet
Performers Jonathan Capdevielle, Marika Dreistadt, Jonathan Drillet & Franck Saurel

Artistic adviser - Artistic assistant Jonathan Drillet
Scenography (set design and concept) Nadia Lauro
Assistant for scenography Romain Guillet
Light Patrick Riou
Stage manager, technical manager, sound effects live Jérôme Masson
Sound manager Vanessa Court
Fabrication of animal costume Daniel Cendron
Fabrication of traditional costume Cécilia Delestre
Video Sophie Laly, Jonathan Capdevielle
Kid Kyliann Capdevielle
Outside eye Gisèle Vienne and Virginie Hammel
Production Bureau Cassiopée – Léonor Baudouin and Manon Crochemore
Production, distribution, administration Fabrik Cassiopée - Isabelle Morel and Manon Crochemore
Thanks to Anne-Cécile Sibué-Birkeland, Alexandra Murillo, Laetitia Laplace, Maxime Laplace, Cynthia Laplace, Mercedes Tormo, Stéphanie Michaud, Didier Capdevielle, Alexandre Reyes, Florian Hémadou, Guillaume Hémadou, Eliane Roudaut and the team of Le Quartz, scène nationale de Brest.

Executive producer Association Poppydog
Bureau Cassiopee was the executive producer of Saga from febuary 2015 to march 2016.
Coproduction Le Parvis scène nationale Tarbes Pyrénées (FR) / Pôle sud, CDC en préfiguration-Strasbourg (FR) / Les Salins, scène nationale de Martigues (FR) / Scène nationale d’Orléans (FR) / CCN Montpellier Languedoc-Roussillon in the frame of ]domaines[ and Life Long Burning (LLB) project supported by the Culture Programme of the European Union (FR) / L’Arsenic-Lausanne (CH) / Les Spectacles Vivants - Centre Pompidou-Paris (FR) / Maison de la Culture d’Amiens-centre de création et de production (FR) / Latitudes contemporaines-Lille (FR) / BIT Teatergarasjen- Bergen (NO) / Théâtre Ouvert-Paris with the support of Région Ile-de-France (FR) / La Ménagerie de Verre-Paris (FR) / Théâtre Garonne, scène européenne Toulouse (FR) / Arcadi (FR) / Bureau Cassiopée (FR)
With the help of Quartz, scène nationale de Brest (FR) and Centre National de la Danse-Pantin (FR)
With the support of DRAC Ile-de-France
Jonathan Capdevielle is supported by APAP, Advanced Performing Arts Project, funded by the European Commission.

Families are a nearly endless source of inspiration for artistic creation. The history of my family was marked by misfortune, sometimes on a scale befitting a Greek tragedy.
Saga recounts this family romance. I would like to write a play that recounts episodes of my family saga, with the emblematic characters and plot twists of an epic tale as well as the chronicles of Pyrenees region and its legendary icons. In the watershed moment between childhood and adolescence, my family was a theater: day after day a performance unfolded whose scenes, both funny and dramatic, haunt me to this day. We lived in a playground, with great freedom and joyful insouciance; across it tumbled brigands, Bonny and Clyde, beach weekends, horror movie reenactments, Swan Lake rehearsals, spiritualist séances, and my first steps in the theater, against the backdrop of the High Pyrenees.
I would like to work from memories of this era, revisiting places and conjuring characters and situations that composed the episodes of this intense and colorful past life.
The story telling is embodied by different performers, staged with theater forms as well as cinema and dance. The movement created between these past events -whether they're fiction or real- and the narrative told in the present tense, is revealing an intimate as well as universal impact, and will express the uniquely euphoric, playful, melancholic, and dark nature of these theatrical life scenes.

Jonathan Capdevielle

 

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PREMIERE November 6, 2017 at LE QUAI CDN Angers Pays de la Loire

 

Based on the novel by Georges Bernanos

Conception, adaptation and direction Jonathan Capdevielle
Performing Clémentine Baert, Jonathan Capdevielle, Dimitri Dore, Jonathan Drillet, Arthur B. Gillette (alternating with Jennifer Eliz Hutt), Michèle Gurtner
Artistic adviser - Artistic assistant Jonathan Drillet
Scenography (set design & concept) Nadia Lauro
Scenography (construction) Les ateliers de Nanterre-Amandiers – Marie Maresca, Michel Arnould, Gabriel Baca, Théodore Bailly, Mickaël Leblond
Lights Patrick Riou assisted by David Goualou
Soundtrack composition Vanessa Court, Arthur B. Gillette, Jennifer Eliz Hutt, Manuel Poletti
Music Arthur Bartlett Gillette
Sound manager Vanessa Court
Musical collaboration via digital interface Ircam Manuel Poletti
Costumes Colombe Lauriot Prévost
Stage manager, technical manager Jérôme Masson
Outside eye Virginie Hammel
Production, distribution, administration Fabrik Cassiopée – Manon Crochemore, Manon Joly et Isabelle Morel
Gratitude to Safia Benhaim, Marie Etchegoyen, Lundja Gillette, Laurence Viallet

Executive producer Association Poppydog
Coproduction Le Quai Centre Dramatique National Angers Pays de la Loire / Nanterre – Amandiers, CDN (FR) / Festival d’Automne à Paris (FR) / CDN Orléans (FR) / manège, scène nationale-reims (FR) / Théâtre Garonne, scène européenne Toulouse (FR) / Arsenic - Centre d'art scénique contemporain, Lausanne (CH) / Le Parvis scène nationale Tarbes Pyrénées (FR) / Ircam – Paris (FR)
With the support of King’s Fountain
With the help of CND – Pantin, la Villette – Résidence d’artistes 2016,  Le Quartz - scène nationale de Brest, and of Montévidéo - Créations Contemporaines - Atelier de Fabrique Artistique.

 

Photo credit Pierre Grosbois

 

In 2008, I acted in a radio play directed by Jean Couturier that aired on France Culture. It was an adaptation of Georges Bernanos’s detective novel, Un Crime, in which I played the role of the Vicar of Mégère. At the time, I had been struck by this singular work, which explored questions of identity and the human condition through dark humour and emotion.

I was born in the Pyrenees, near Lourdes, where I spent my childhood and adolescence in a provincial village. From a very young age, I rubbed shoulders with these emblematic countryside characters, with their outspokenness and traditions. As a child, I still remember being fascinated by the impenetrable figure of the local priest, whom I would watch during weddings and funerals, or when many of them would march down the streets of Lourdes during the pilgrimages in August. These atmospheres and images are still alive in me. This tender and difficult relationship to the inland region resonates in my work, which has its roots in auto-fiction. 

Georges Bernanos meticulously dissects the unique character of these remote territories and the personalities of their inhabitants. The character at the heart of the plot is atypical, to say the least. Hiding underneath her religious garb is a woman on a fatal mission, behaving in complete opposition to the principles and values normally extolled by Catholicism. The author uses the narrator’s voice – as well as all the voices of the different characters gravitating around the vicar – as his mouthpiece. At the risk of losing them, Bernanos allows his readers to freely carry out the investigation freely – as complex and impossible as this might be.

The Vicar of Mégère – embodied by this woman – wields a strange power of seduction and persuasion, provoking a certain chaos within a seemingly solid organisation. Each of the protagonists’ personal stories and flaws are revealed, and their feelings exacerbated. I’m thinking, for instance, of the young orphan who takes to the ambiguous figure of the transvestite adult, maintaining a tender and cruel relationship with him, as well as a near-maternal trust that pushes him to act dangerously.  

By manipulating religious symbolism and icons, Georges Bernanos invents an original police investigation, mixing oddity, fantasy, and terror, while nevertheless preserving a complex framework in which human emotions remain firmly anchored in reality. 

I wish to stage this young transvestite woman’s role playing, with her troubled and endearing personality – a tragic heroine who pulls the strings of an empirical storyline, while arousing emotional confusion in the people around her. I want actors to navigate this “Bernanosian” maze by working on the multiplicity of roles being played and the different qualities of textual interpretation, oscillating between realism and exaltation. I like characters to be occasionally rocked by intense emotional shocks, and the border between reality, dreams, and nightmares to become paper-thin. I will also work on the way performers move on stage. Georges Bernanos very clearly describes every character’s physical energy in the novel. 

Even though this novel flirts with fantasy and was written in 1935, it examines themes and timeless taboos that still spark deep questions within the performing arts today.

In my opinion, Un crime carries both a private and universal discourse within it that questions religion in an unique manner. Its implicit ambivalence and homosexuality create confusion – and the clothes in this case definitely do not make the man. The author invites us to take increasingly unsettling trains of thought that are far from the beaten paths of Christian morality. By questioning the operation of the different powers at play, the novel underlines the tenacious prejudices of a contemporary society, straining to achieve a certain normality. 

It seems important to me to recreate the indoor and outdoor spaces where the action takes place. They act directly upon the intensity of the scenes insofar as they condition the characters’ behaviour, as well as their physical and mental states. The bedroom is often a space of intimacy, confession, reflection, dreams, nightmares, disease, and death.

Exterior spaces, like the countryside, represent a sort of wild escapade where the climate oscillates between bad weather, storms and sunny spells, accentuating the sombre and romantic colours of the different situations and tragedies that are being performed. Unlike a claustrophobic chamber drama, nature has the capacity to stimulate introspection. In order to reveal exterior scenes, I want to create movement between those played on-stage and their continuation off-stage.

The scenography designed by visual artist Nadia Lauro will essentially represent interior spaces. Moreover, extensive work on the sound and lighting will be implemented so that the audience can visualize the inside, or imagine the outside, via a zoom-effect, and be the privileged eye-witnesses of the characters’ private lives.

Jonathan Capdevielle

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CRÉATION AVRIL 2017 / Le Quai, CDN Angers Pays-de-Loire
Présenté au CHABADA, SMAC d'Angers


Conception et réalisation
 Jonathan Capdevielle
Assistante à la mise en scène Anne-Claire Joubard
Avec l’aide de Marion Ballester et Jonathan Drillet 

Créé en collaboration et interprété par Jonathan Capdevielle / Marika Dreistadt / Michèle Gurtner / Anne-Claire Joubard / Jean-Luc Verna / Jérôme Marin / Danse et mat chinois Franck Saurel
Piano Olivier Algourdin / Streaptease Angélique Billard / Performance super héros Yanis Guarida / Magie Mathieu Mallet / Clown Léo Erwann Meneret
Danse hip-hop Kévin Miradji / Hugo Galopin / Jason Paul / Malick Sylla / Ismaël Abdhallah / Mathias Razanamalala
Danse contemporaine (promotion 16/18 du CNDC) Amélie Berthault / Lili Buvat / Estelle Garcia / Fujita Kazuki / Julia Vercelli / Kim Kiduck / Jean Lesca / Adrien Lichnewsky / Nelly Hyvert / Paul Warnery / Mathea Rafini / Tonin Sourjac
DJ set Sébastien Vion

Maquillage Mélanie Gerbeaux 
Captation vidéo et réalisation films Wilfried Thierry 
Lumière Nicolas Pillu
Son Clément Prémartin
Régie plateau Ronan Beaugendre, Tifenn Granveau



Production Le Quai - CDN Angers Pays de la Loire
Avec le soutien du Chabada et du CNDC.

crédit photo : Wilfried Thierry

PROJET PORTE EN PRODUCTION DELEGUEE PAR LE QUAI, CDN ANGERS PAYS DE LA LOIRE

 

Dans la pure veine du cabaret allemand de l’entre-deux-guerres, guidés par la figure de Jeanne d’Arc en armure sortie des flammes, les « cabarettistes » de l’Apocalypse donneront spectacle sur la mythique scène du Chabada… Artiste hors normes, acteur, marionnettiste, ventriloque, danseur, chanteur, Jonathan Capdevielle invente au Quai à Angers, où il est artiste associé, un cabaret d’un nouveau « mauvais genre »…

S’emparant d’un nouvel imaginaire social, épousant la somme des désirs, des rêves, des aspirations confuses et des angoisses propres à notre temps, s’inspirant du cabaret Est- Allemand de l’entre-deux-guerres, chantre révolutionnaire et joyeux de la contestation d’alors, Jonathan Capdevielle invente son cabaret, refuge et exutoire d’une époque traumatisée.

Bousculant les pensées figées et malmenant tabous et préjugés, les artistes professionnels et amateurs réunis par Jonathan Capdevielle enchaînent des tableaux dont l’esthétique à la fois brute, rangée ou décadente se déploie sous une forme chorégraphique, théâtrale et musicale en une série de numéros pluridisciplinaires aussi divertissants que grinçants. Au-delà du côté festif et du prêt à penser quotidien déversé dans les actualités, ce Cabaret Apocalypse éveille l’excitation et la curiosité en révélant l’étrangeté d’une parole populaire pouvant être à la fois ambivalente, transgressive et étrangère. Non sans humour et parodie, en toute tradition iconoclaste, ce cabaret imaginé porte un regard critique et artistique saillant et cinglant sur l’actualité, questionnant à sa manière, décalée, des sujets délicats de notre époque faisant débat, alimentant les commentaires, comme les artistes entre autres, qui toutes disciplines confondues, travaillent jour après jour à éveiller les consciences, à combattre l’ignorance et la sombre bêtise humaine.

« Nous satires, remercions sur un ton mélancolique la censure, si vite disparue. Nous l’avons maudite de son vivant, nous la contournions et la dupions quand c’était possible. Nous devons maintenant reconnaître avec honte, qu’elle nous facilitait la vie. Nous la grignotions peu à peu, furieusement sans être conscient qu’on lui devait tant de succès. Car ce qu’elle nous interdisait de dire nous le glissions en cachette entre les lignes. (…) À présent, nous devons soudain donner un caractère plus explicite à nos textes, et il faut reconnaître que de nombreux malentendus surviennent entre une part non négligeable du public et nous-mêmes, ce public qui jusqu’ici nous donnait son approbation silencieuse… »
Peter Ensinkat « Einwände gegen die Wende » Eulenspiegel 52/1989 (sur les bienfaits de la censure)

 

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RÉMI

 

CRÉATION LE 5 NOVEMBRE 2019 / LE QUAI CDN Angers Pays de la Loire

 

D'après le roman Sans famille d’Hector Malot
Un projet en 2 épisodes :
Partie 1 > Spectacle (environ 1h15)
Partie 2 > Fiction audio (55 minutes)
La fiction audio, accompagnée d’un poster illustré, sera distribuée à chaque spectateur à l’issue de la représentation. Le deuxième épisode pourra donc s’écouter de différentes manières : à la maison, à l’école, ou dans des salles d’écoutes mises en place par les théâtres. 

 

EPISODE 1
Conception et mise en scène Jonathan Capdevielle
Adaptation Jonathan Capdevielle, en collaboration avec Jonathan Drillet
Interprétation Dimitri Doré, Jonathan Drillet, Michèle Gurtner, Babacar M’Baye Fall
Assistante à la mise en scène Colyne Morange
Conception et réalisation des masques Etienne Bideau Rey
Costumes Colombe Lauriot Prévost
Assistante Costumes Lucie Charrier
Coiffe Vitalis Mélanie Gerbeaux
Lumières Yves Godin
Composition musicale Arthur Bartlett Gillette
Création son Vanessa Court
Régie générale Jérôme Masson
Production, diffusion, administration Fabrik Cassiopée – Manon Crochemore, Manon Joly et Isabelle Morel

Production déléguée Association Poppydog
Coproduction Le Quai, Centre Dramatique National – Angers Pays de la Loire / Nanterre-Amandiers, centre dramatique national (FR) / Festival d’Automne à Paris (FR) / La Ménagerie de Verre - Paris (FR) / Théâtre Garonne, scène européenne Toulouse (FR) / Théâtre Saint Gervais – Genève (CH) / CDN Orléans / Centre-Val de Loire (FR) / L’Arsenic – Lausanne (CH) / Tandem – Scène nationale de Douai (FR) / TNG – Centre dramatique national de Lyon (FR) / Le Parvis, scène nationale de Tarbes (FR) / La Rose des vents, scène nationale Lille Métropole Villeneuve d’Asq (FR) / Le Maillon – Théâtre de Strasbourg – Scène européenne (FR)
Avec l’aide de la Région Ile-de-France, au titre de l’aide à la création
Avec le soutien du CN D, centre national de la Danse – Pantin (FR)

 

EPISODE 2
Direction artistique Jonathan Capdevielle
Adaptation Alexandre Lenot
En collaboration avec Laure Egoroff et Jonathan Capdevielle
Musique originale Arthur Bartlett Gillette
Réalisation sonore Laure Egoroff
Chef opérateur du son & Montage son Mathieu Farnarier
Mixage Djai
Bruitage Elodie Fiat
Mastering Pierre Luzy – Music Unit
Interprétation Jonathan Capdevielle, Dimitri Doré, Jonathan Drillet, Arthur B. Gillette, Michèle Gurtner, Anne Steffens
Illustrateur du poster Etienne Bideau Rey
Direction de production Fabrik Cassiopée – Manon Crochemore, Manon Joly et Isabelle Morel
En collaboration avec Air Rytmo – Maé Zamora
Studios d’enregistrement Music Unit (Montreuil), Creative Sound (Paris) et La Puce à l’oreille (Montreuil)

Coproduction Air Rytmo & Association Poppydog
Avec le soutien de la SPPF et du FCM 

Dans mes créations, l’enfant tient une place importante. Adishatz/AdieuSaga et A nous deux maintenant font toutes, directement ou indirectement, référence à l’enfance. Les souvenirs d’enfance sont souvent moteurs dans mon processus d’écriture de dialogues ou de récits. Notamment dans Saga, pièce construite à partir de matériaux issus de la mémoire et qui met en scène les souvenirs personnels.

Cette figure de l’enfant aux multiples statuts - d’observateur, de témoin, d’acteur ou de fil conducteur de la fiction - révèle sous différentes formes la complexité du monde des adultes. En effet, mes pièces abordent des réflexions sur des sujets communs, comme par exemple l’identité, la sexualité, le rapport à la famille, aux racines et de manière générale ce qui constitue l’individu, d’où il vient et ce qu’il devient. L’enfant observe le monde des adultes et le considère comme une première référence, un exemple à suivre. 

Ce sont ces notions d’apprentissage et de construction de soi qui me motivent à engager un travail destiné cette fois-ci au jeune public. Je désire mettre l’enfant au cœur d’une proposition dans laquelle je travaillerai à créer de l’empathie pour un jeune héros qui fait face aux épreuves parfois rudes que lui impose la vie, et qui sort grandi de ses expériences, qu’elles soient positives ou négatives. Ce personnage, secoué par de multiples émotions, est confronté à des situations parfois extrêmes, mais jamais il ne baisse les bras ; au contraire, il fait de son malheur une force et malgré son jeune âge apprend vite à se débrouiller et à s’en sortir. 

En 1990, j’ai découvert à la télévision l’adaptation manga Rémi sans famille dont j’ignorais l’auteur et qui me fascinait. Suivre chaque soir de la semaine les aventures de ce jeune garçon m’excitait au plus haut point. J’ai donc acheté le roman d’Hector Malot.

L’œuvre aborde le thème de l’enfance et de la quête d’identité à travers une initiation qui se traduit par un voyage aux multiples rencontres. Un voyage qui révèle l’attachement à l’acte artistique, présenté comme un gagne-pain, un moyen de survie à la fatalité qui pèse sur le personnage de Rémi. Au début du roman, cet enfant héros repoussé par son père adoptif est confié, moyennant de l’argent, à un bonimenteur et sa troupe (des chiens et un singe), qui vont l’éduquer et l’initier à l’art du spectacle. Il parcourt ainsi la France de ville en ville avec cette singulière deuxième famille, dans l’espoir de se construire un autre avenir. L’enfant est ici, à l’inverse de Pinocchio, dans un rapport presque direct, réel, et authentique au monde, aux épreuves que lui inflige cette nouvelle vie de saltimbanque. La vie qui est ici clairement un terrain d’apprentissage et de réflexion pour le jeune enfant et dont l’objectif, est de continuer d’avancer bon gré mal gré en travaillant à devenir, non sans difficulté, indépendant. 

Le roman, écrit à la première personne, endosse le statut d’un récit en apparence autobiographique, puisqu’on découvre que son auteur n’est nul autre que Rémi. Un Rémi devenu adulte qui nous fait part de cette histoire de vie singulière, celle d’un enfant adopté, vagabond, en quête de vérités.

Je souhaite créer deux épisodes, adaptés du roman, qui mettront en scène les différentes étapes de ce voyage initiatique. La matière du roman est conséquente, et je veux garder une certaine cohérence quant à l’histoire du personnage de Rémi et à sa manière d’évoluer, de se transformer. Cela nécessite de l’adapter en privilégiant les parties de dialogues mais aussi la narration, qui aide à développer dans le détail les descriptions ou les états d’âme des personnages du récit. La présence vocale ou physique d’un narrateur, comme par exemple le personnage de Rémi adulte, n’est pas exclue.

Je fais le choix de travailler l’espace théâtral dans son état brut. En l’absence de scénographie, ce sont les interprètes qui fabriqueront l’espace de la fiction, tandis qu’un système son immersif permettra de travailler des scènes hors-champ. 

À la manière de mes précédentes pièces, les interprètes seront en capacité d’endosser plusieurs rôles et identités. Pour créer une multitude de personnages avec un petit nombre d’acteurs, je souhaite travailler sur les techniques du masque et ainsi m’appuyer sur leur force esthétique.

Le masque nécessite en effet un jeu précis. Il permet à l’interprète de travailler dans le détail, et de donner corps et voix à des personnages fantastiques. C’est cette métamorphose, cette incarnation totale, presque issue du rite et de la possession qui m’intéresse ici. Le personnage masqué peut évoquer le divin, comme le sacrifice, il impressionne, amuse, inquiète et amène de l’étrange, de l’irréel dans la représentation. 

Cette idée du rituel sera également incarnée par le personnage de Vitalis, le bonimenteur chef de troupe. Dans le roman, cet homme au passé énigmatique est un nomade qui a une connaissance précise du voyage et des territoires. Lorsqu’il est en représentation, il maîtrise l’art de la parole et de la musique comme personne, il en impose lorsqu’il harangue la foule. Il est aussi une sorte de père, de guide spirituel pour Rémi. Il lui enseigne les bases élémentaires de l’éducation, il est une des réponses aux questionnements de l’enfant sur son rapport au monde et sur son fonctionnement.

Jonathan Capdevielle (Septembre 2018)